幻想神秘音楽館

　いよいよ明日から８月が始まり、私のプログレッシヴ・ブログ『幻想神秘音楽館』も心機一転、新たにＦＣ２ブログサービスから再出発を図る次第ですが、皆様にここで重大なお知らせがあります。

　先日のブログ立ち上げと再開に先立ち、来月から『夢幻の楽師達』第65回目と新譜紹介コーナーの２本立てて再スタートする旨を告知しましたが、私自身あれから考えに考え抜いた末ですが（これも書き手根性というか半ばライター気質とでもいうのか…）、単刀直入で結論を申し上げると…やはりＮＥＣブログ時代の過去の記録と歩み・足跡が捨てきれず、このまま過去の忘却へと置き去りにするのは誠に忍びないと思い、非常に身勝手かもしれませんが、８月の明日から来年10月いっぱいまで、過去概ね12年間分の『幻想神秘音楽館』ＮＥＣブログデータから「夢幻の楽師達」と「一生逸品」を改めてＦＣ２へとコピーペーストで移植して、新たに復刻リニューアル＆リブート、或いはセルフリメイクという形で、来年11月からの移行で正式な編集ペースと投稿掲載に戻るまでの間、毎週「夢幻の楽師達」と「一生逸品」の２本立てで週２回連載する事と決めましたので、私自身の些か我が儘みたいな方針で申し訳ありませんが、それまでの間暫しお付き合い頂けるよう何卒宜しくお願い申し上げます。

　過去のブログ投稿を既に御覧になった方々も、まだブログを未見の方々も改めて回想を振り返りながら御拝読頂けたら幸いです…。

　なお、毎月末の新譜紹介コーナー『Monthly Prog Notes』は、来月からも今まで通り通常に継続いたしますので、重ねて宜しくお願いします。

　　Gianni Leone：Key&Vo

　時代と世紀を越えながらも、現在も尚決して色褪せる事無く…それはあたかも眩い至宝の如く神々しくも燦然と光を放ち続ける、70年代初頭のイタリアン・ロックシーンに於いて２枚の異なる作風と熱く迸るエナジーで、名作・名演・名盤の三拍子で文字通りイタリアン・ロック史に不動の地位を確立したと言っても過言では無いイル・バレット・ディ・ブロンゾ。

　そのバンドルーツは遡る事1960年代末期、商業都市ナポリ出身のバッテイトーリ・セルヴァッジ(BATTITORI SELVAGGI)なる当時新進気鋭のハード＆ヘヴィ・ロックバンドが母体となっている。

　1969年バンドはイル・バレット・ディ・ブロンゾ（以後IBDB）と改名し、ライヴでの好評判を聞き駆け付けたＲＣＡイタリアーナのフロントマンの目に止まり、同年めでたくＲＣＡと契約を交わしシングル『Neve Calda／Cominciò Per Gioco』でデヴューを飾り、翌1970年にセカンド・シングル『Si, Mama Mama／Meditazione』と、そして第一期IBDBの集大成にして名作・名盤でもある1stアルバム『Sirio 2222』を引っ提げて、かの同じレーベルのトリップと同様名実共にイタリアン・ロック黎明期のシーンを席巻していったのは言うまでも無かった。

　その頃の第一期メンバーは、Lino Ajello（G）、Marco Cecioni（Vo，G）、Mike Cupaiuolo（B）、そしてGianchi Stinga（Ds）の４人編成で、バンドきっての才人にして要ともいえるGianni Leone（Key）はまだこの時は在籍しておらず、イタリアン・ロックファンならもう既に御存知の通り、当時Gianniはナポリを拠点に活動していたオザンナの前身チッタ・フロンターレのメンバーとしてDanilo、Lino、Lello、Massimoと行動を共にしており、オザンナへと改名する前後にElio D'Annaと入れ替わりにバンドから離れたのは有名な話（この顛末は後ほど再び触れる事にしよう）。　

　　　　　　　　　　

　余談ながらも、もし、GianniがIBDBからの誘いを断りそのままチッタ・フロンターレに留まっていたとしたら、後々のオザンナのデヴュー作から『パレポリ』に至るまで、６人編成でとてつもなく凄まじい迷宮の如きカオス渦巻く、イタリアン・ロック史上驚愕の完成度を誇った名作となったのでは…と思うのだが如何なものだろうか？

　話は再びIBDBに戻るが、70年リリースの『Sirio 2222』の評判は上々で、ヤードバーズやツェッペリン影響下のブリティッシュナイズに裏打ちされたハードロックのフィーリングとサイケなポップスとの要素が渾然一体となった、まさしくその古き良き当時の空気感を象徴した極上の陶酔感が味わえるイタリアン・ロック黎明期の傑作とも言えるだろう。

　イタリア国内のクラヴ・ハウスや野外コンサートのみならず、イタリア駐留の米軍キャンプ地でのライヴをも精力的にこなしていたというのは今では語り草にもなっている。

　当時のアメリカ兵にしてみれば、イタリア＝カンツォーネという変な先入観でしかなかったのが、IBDBを目の当たりにした途端度肝を抜き、それこそ時代の風潮…IBDBに熱狂しつつビール片手に葉っぱ（!?)を決めたりＬＳＤでぶっ飛んでいた兵隊もいた事だろう（苦笑）。

　話は再び脱線するが…この当時70年代初期のイタリア国内のロックを巡る様々なエピソードで事欠かないのが、青春を謳歌する当時の若者文化と、政府のお偉いさん始めキリスト系政党の役人体質、官憲との差別・偏見との闘いは切っても切れない水と油みたいな関係で、イタリア始め英米のアーティストが野外でコンサートをするものなら、もう警官隊が発砲するやら催涙ガスやら鉄パイプ片手に応戦する若者達でとてもコンサートするどころの騒ぎではなかったと様々な文献や著書で記されており、かのレッド・ツェッペリンでさえもミラノのライヴで催涙ガスが漂う中演奏を断念した事を未だに根に持っており、ジミー・ペイジ曰く“イタリアなんて国名は二度と聞きたくもない!!”と憤慨していたから、この当時（全世界規模で）如何にロックがまだ市民権を得ていなかったが伺い知れよう。

　　　　　

　さて、クラシカル・シンフォなナンバー“Meditazione”を始め数々の名曲揃いの『Sirio 2222』リリース以後、理由は不明ではあるがIBDBは一時的な解散寸前の状態に陥ってしまう。

　翌1971年、残された２人のメンバーLino AjelloとGianchi Stringaの両名は、バンド存続危機の打開策として新たにナポリから呼び寄せたGianni Leone（当時、彼はチッタ・フロンターレに満足しておらず、或る晩自宅に帰宅するや否や、ギタリストのLino Ajelloからの電話でバンド加入を誘われたとの事）をキーボード兼ヴォーカリストに迎え、ローマから旧知のベーシストVito Manzariを加え、前作のハードロック路線から大きく変貌を遂げた作風で再びシーンに返り咲いた。

　　1.Zarathustra

　　Stefano“Lupo”Galifi：Vo

　70年代イタリアン・ロック史に於いて、至宝の如き名作・名盤として燦然と輝き続け今もなお語り継がれている、俗に言うイタリアン・ヘヴィプログレッシヴ名盤の代名詞…イル・バレット・ディ・ブロンゾ『ＹＳ』、ビリエット・ペル・リンフェルノ『地獄への片道切符』と共に（個人的には）三大傑作としてその名を留めている、今回の主人公ムゼオ・ローゼンバッハの『ツァラトゥストラ組曲』。

　“ローゼンバッハ博物館”なるバンドの歴史は、1969～70年の初頭にまで遡る。

　長年イタリアン・ロックを愛して止まないファンにとっては、まさに知る人ぞ知る伝説的ヘヴィ・プログレバンド“IL SISTEMA”（1971年のデヴューに向けて何曲か録音されていたものの、バンドの解散と重なり諸般の事情でお蔵入りしていた。90年代初頭にかけてMellowレーベルを通じてＬＰとＣＤ化されてる）こそがムゼオの母体である。

　IL SISTEMAのギタリストだったEnzo Merognoと、フルートとサックス兼エレピを担当していたLeonardo Lagorioがバンド解体後、どういった経緯でメンバーと知り合い合流し、ムゼオ・ローゼンバッハという奇異なバンド名にまで辿り着いたのかは今もって定かではないが、程無くして初代のヴォーカリストにWalter Franco、ベーシストにAlberto Moreno、ドラマーを…後にマティア・バザールの中心人物となるGiancarlo Golziを加え、ひたすら地道にギグとリハを積み重ねてデヴューの機会を窺っていたものと推察されよう。

　当時それらの動向を裏付ける証とも言うべき貴重な未発表曲含むライヴ音源等が、90年代初頭にMellowレーベルを通じてＬＰとＣＤそれぞれジャケットデザインと収録曲の違いこそあれど３作品立て続けにリリースされている。

　音質的には…ややと言うべきかかなり難があれど、ある意味当時の狂騒と猥雑的で生々しい演奏が堪能出来るという意味合いを差し引いても一聴の価値はあるだろう(苦笑)。当然メロトロンも入っており、自らのオリジナルナンバーのみならずビートルズ始めユーライア・ヒープ、コロシアム…等といったブリティッシュな曲のカヴァーも演奏し、彼等の後の『ツァラトゥストラ組曲』へと繋がる音楽性とルーツを窺い知る上で非常に興味深い。

　バンドは漸く軌道の波に乗ってきたところで、キーボードがLeonardoからPit Corradiに交代し、ヴォーカリストもWalterからStefano“Lupo”Galifiに変わり、1973年を皮切りにバンコの『自由への扉』、レアーレ・アカデミア・ディ・ムジカのデヴュー作といった名作・傑作を多数世に送り出し俄然気を吐いていた70年代イタリアン・ロックの中枢を担っていたであろう大手リコルディからのデヴューへと結び付いた次第である。

　ちなみに…余談ながらも、ムゼオを抜けた先代キーボードのLeonardoは、IL SISTEMA時代のドラマーCiro Perrinoを誘ってチェレステ結成へと向かったのは周知であろう。

　思い起こせば…我が国に初めてフランスからピュルサー（当時はパルサーとも呼ばれていたが）なる存在が紹介されたのは、1978か79年頃ではなかろうか。

　70年代末期に於いて、当時の新宿レコード…或いはエジソン、モダーンミュージック、ディスクユニオンといったマニア御用達の専門店でしかお目にかかれなかったであろうユーロピアン・ロックの名匠達。

　大多数の名作・名盤で犇めき合っていたイタリア勢とドイツ勢とはまた違った異彩を放っていたフランスのロックシーン。

　マグマ、アンジュといった両巨頭を皮切りにザオ、エルドン、クリアライト、タイ・フォン、モナ・リザ、後に我が国で爆発的な評判を得るアトール、そして夢想的な浮遊感ながらも堅実な作風を誇る今回の主人公ピュルサー辺りが、（ジャズロックとシンフォニックを総括した意味で）フレンチ・プログレッシヴの代表的な存在と言えるだろう。

　大手のワーナーからワールドワイド・リリースでかなりの知名度を得ていたタイ・フォンを別格とすれば、日本の国内盤リリースでキングを経由してピュルサーの２nd『The Strands Of The Future(終着の浜辺）』が、松本零士氏の手掛けた特典イラストポスターというおまけ付きという相乗効果で、かなりの評判を得ていたのも丁度この頃であろう。余談ながらも、あの大御所アンジュでさえも日本フォノグラムから細々とお粗末な国内盤が出回る程度の扱いで…おまけにあの国内盤でのあんまりな装丁（知る人ぞ知る）には閉口せざるを得ない（苦笑）。

　前置きが長くなったが、２作目の『The Strands Of The Future』での日本国内での好セールスで拍車をかけたピュルサーは、ユーロ・ロックコレクション元年ともいえる1980年、記念すべきデヴュー作『Pollen(脈動星）』がキングからシリーズの第１弾としてめでたくラインナップに加えられた次第である。

　　　　　

　時代を遡る事1966年…。当時地元リヨンの学生で、後々バンドの中枢的な立場ともなるGilbert Gandil（G）、Victor Bosch（Ds）、Jacques Roman（Key）の３人によってピュルサーの歴史は幕を開ける。

　ビートルズ始めストーンズの洗礼を受けて音楽活動を始めた彼等は、その後も各々がクリーム、ジミ・ヘンドリックス、オーティス・レディング、ナイス…等に触発されるうちに徐々に自らの音楽スタイルを形成し、ピュルサーの前身でもあるソウル・エクスペリエンス→フリー・サウンドへとバンド名を変えながら68年頃まで活動していた。

　ドラマーのVictorの言葉では、当時のバンド・カラーはサイケデリックでロマンティシズムなスタイルを追求していたとの事。

　時代は70年代に入り、ピンク・フロイド始めソフト・マシーン、ジェスロ・タルといった当時のブリティッシュ・シーンの第一線で活動していた時代の先鋭なる寵児達に触発され、漸く自らの理想の音楽なる回答を得た彼等はバンド名をピュルサーと正式に改名し、この頃にはオリジナルのベーシストPhilippe Romanを加えた４人編成でオリジナルのナンバーに加えて尊敬していたフロイドの“原子心母”からの抜粋曲や“ユージン、斧に気をつけろ”といった曲の半々をレパートリーに、地元リヨンを拠点にフランス国内で精力的に活動していた。

　1972年、彼等ピュルサーにとって後々の運命を決定付ける千載一遇の大きなチャンスが巡ってきた。フランスの老舗ライヴハウス“Golf-Drout”にて、国内各地の名立たる猛者が一同に会したロック・コンテストでベスト６圏内に見事に勝ち残った彼等は、当時デヴュー間もないアンジュと共に貴重なライヴ音源を残す事となる。そう…所謂これがかの有名な大手フィリップスからリリースされた『Groovy Pop Session』である。

　その後アルバム・デヴューを飾るまでの２年間は、イギリスのファミリーの前座を務めたりフランス国内で以前にも増して精力的に演奏活動に専念する事となり、日に々々知名度を上げながらも演奏するキャパシティーも大きくなりつつあった。もうこの頃ともなるとオリジナルのナンバーを中心に演奏してたのは言うに及ぶまい。

　先のVictorの後悔云々はともかくとして、大手ＣＢＳでの充実したサウンド・イクイップメントを含む好環境に乗じて、翌77年彼等自身の音楽の集大成と言っても過言では無い、20世紀のユーロ・ロック史に残る最高傑作にして名作として掲げられる『Halloween』をリリース。

　彼等自身が書き下ろしたオリジナル・ストーリーをモチーフに、本作品を構成する抒情性、美しさ、哀しみ、ミステリアス…等が見事なまでに集約・昇華された、文字通りプログレ衰退期に差し掛かっていた当時に於いて一抹の光明をも見出せる様なそんな趣すら窺える。

　　　　　　　　　　

　しかし…運命とは何とも皮肉なもので、素晴らしい好条件の許で全身全霊を注ぎ込んで作った傑作であるにも拘らず、当時世界的に勃発していたパンク＆ニュー・ウェイヴといった産業音楽の波から疎外され、加えてＣＢＳのプロモート不足という体たらくな原因が元で、『Halloween』はセールス不振に陥り、バンド側とＣＢＳの関係は悪化の一途を辿ってしまう。

　要は早い話…会社には入れてあげるけど、作品をリリースしたらあとは全部自己責任ですよと言わんばかりの遣り口に引っ掛かってしまった様なものである。

　当然の如く、プロモートツアーでの援助からバックアップも無し、宣伝費用は全部自己負担…結果を残さなければ即放出という冷酷な音楽産業の仕打ちに、これにはメンバー全員心身共に辟易してしまうのも無理はあるまい。

　おまけに『Halloween』をリリースする前、ＣＢＳは１ｓｔと２ndのリイシュー盤を出したものの、ここでも会社側はバンドには一銭も払っていないというから開いた口が塞がらない。

　金銭的な困窮に喘ぎながらも、彼等は最後の力を振り絞ってポルトガルはリスボンで２日間のコンサートを開催。

　トータル20000人を動員し大成功を収めるものの、フランス国内の音楽産業に不信感を抱いたまま活動意欲の低下に加え、ベーシストが照明関係の仕事に戻った事を契機にメンバーが一緒に顔を合わせる機会も徐々に少なくなり、各々が音楽以外の職種に就いた事も重なって、解散声明こそ出さなかったもののピュルサーは一時的に開店休業の状態に陥ってしまう。

　そして時は流れ、時代は1981年…。公式な音楽活動こそしてはいなかったものの、Jacques、Gilbert、Victor、そしてRolandの４人は仕事の合間を縫っては時々顔を合わせ、（ほんのお遊び程度ではあるが）セッションやリハーサルといった、半ばリハビリに近い音楽活動で自己の再生と回復に努めていた。

　そんな折、演劇とコンテンポラリーダンスとの融合による舞台『Bienvenue Au Consell D'administration!』での劇伴用音楽としてピュルサーに白羽の矢が当たり、彼等４人は再び観衆の目の前で舞台での演者達と共に素晴らしいライヴ・パフォーマンスを披露し、その結果…リヨンでの一年間、果てはパリでの１ヶ月ものロングラン公演で予想を大きく上回る大成功を収め、フランス文化庁からの助成金で同舞台の音楽をレコード化するまでに至った次第である。

　一般のレコードショップには出回る事無く、芸術作品の一環として舞台会場のみでしか流通しない特殊な事情を考慮しても、ある意味に於いて本作品こそがピュルサー復活の狼煙でもあり起爆剤となったのは紛れも無い事実であると同時に、正規のピュルサー名義としての作品では無い分、劇伴作品という制約上幾分散漫な印象は否めないが、原点回帰と言わんばかりに１stと２nd期の作風に立ち返ったかの様なシンセ系の使い方に“やはり…これこそがピュルサー”と賞賛する向きも決して少なくはなかろう。

　この功績を機に、２年後の1983年にはラジオ・フランスからの企画と招へいで、地元リヨンでの一日限定ライヴを行い、限られたキャパシティにも拘らず新旧のファンを問わず2000人もの聴衆を動員するという大成功をも収め、まさにフレンチ・プログレにピュルサー有り！と強く健在振りをアピールした。

　　　　　　　　　　　

　駆け足ペースで恐縮だが、その後ピュルサーの４人はイヴェントやら企画云々では無い正規のバンド再起動に乗り出す事となり、丁度運良く時同じくしてフレンチ・プログレッシヴ・リヴァイヴァルという合言葉の許、ムゼア・レーベルの発足に呼応するかの如く、各々が仕事の合間を縫っては新曲の製作とリハーサルに時間を費やしていく事となる。

　1987年末、ムゼアからのシンフォニック系のコンピレーションアルバムとしてリリースされた『Enchantement』の中で、アンジュ、アトール（クリスチャン・ベアのソロ名義）といったベテラン勢、そしてエドルス、ミニマム・ヴィタル、Ｊ・Ｐ・ボフォ…等といった当時の新進気鋭に混じってピュルサーも久々に新曲を披露し、時代相応らしい軽快なプログレッシヴ・ポップス調の新たな側面をも垣間見せてくれたのだった。

　そして２年後の1989年の秋にリリースされた通算第５作目の『Görlitz』は、77年の名作『Halloween』に続くコンセプト・アルバムとして一躍脚光を浴び、前出のコンピアルバムで聴かれた軽快な新曲とはガラリと趣を変えた、ヨーロッパらしい悲哀感と寒々としたイマージュを湛えた80年代の最後を締め括るという意味合いをも含めた実に重厚感溢れる、ベテランらしい風格の傑作に仕上がっている。

　第二次大戦のさ中…東独とポーランドの両国に跨る小都市ゲルリッツの分断という悲劇をモチーフに、旅客列車…時代の重みというキーワードを散りばめた、当時のベルリンの壁崩壊といった世相事情をも視野に入れた意味深な内容に仕上がっているという事も決して忘れてはなるまい。

　全盛期の様な重厚感に若干欠けるきらいこそあれど、機材を含め時代相応のモダンでタイト、デジタリィーな作風の音で真っ向から新しいピュルサーのスタイルに挑戦した真摯で精力的な姿勢には大いに好感が持てる。

　

　時代は更に流れて21世紀…。ピュルサーのメンバー４人もベテランの域を越えた円熟味を増して、各々が本職業で重要な役職やら、後進を指導する立場やポストに就いている…それ相応の年齢に達した頃であろう。

　若い時分の様にあくせくする事無く、仕事も創作活動も慌てず焦らず地道にのんびりと楽しんでいる年齢であるという事を充分踏まえていても、やはり大御所としての風格とプライドは何ら変化する事無く健在であったのが嬉しい限りである。

　2007年にリリースされた、実に18年振りの新譜で通算第６作目となる『Memory Ashes』（個人的には『The Strands Of The Future』に次ぐ秀作だと思う）は、21世紀型ピュルサーの決定版として新旧のファンに驚きと賞賛で迎えられた、まさしく眼から鱗が落ちる様な会心の一枚と言えよう。

　大ベテランだとか実績があるとか…そんな生温いポジションに安穏と胡坐を掻く事無く、彼等は常に飽くなき探究心を持った開拓者の精神で時代と向かい合い、今日まで歩みを止める事無く“夢想”という名の終わり無き宇宙空間を彷徨い続けている修道僧にも似通っているというのは、些か言い過ぎであろうか…。

　　　　　

　大御所のアンジュ、そして復活したタイ・フォン…かつての栄華を極めた70年代フレンチ・シンフォニックの名匠達が21世紀のシーンに返り咲いている近年、見事復活を遂げたピュルサーもこのまま順風満帆に軌道の波に乗ってくれるのかと思いきや、『Memory Ashes』のリリース以降またもや再び沈黙を守り続ける事となった次第であるが、その一方でピュルサーサイドから思いもよらぬ吉報が届く事となる。　

　『Memory Ashes』から６年後の2013年、キーボーダーのJacques Roman、そしてギタリストのGilbert Gandil両名のオリジナルメンバーを中心に、旧知の間柄だったシンガーソングライターのRichard Pickを迎えて新たなる新バンドプロジェクトSIIILK(シルク)を結成する事となる。

　ピュルサーの系譜と作風を踏襲したであろう…一見別動隊バンド的な見方こそ否めないが、あくまで過去の音楽経験と実績を活かして、21世紀に順応し時代にマッチしたオリジナリティー溢れるシンフォニックへと高めている事はもはや言うには及ぶまい。

　脈々たるピュルサーの血筋を継承しながらも、見事にピュルサー別動隊バンドといったイメージからの脱却が感じ取れ、現時点でリリースされているデヴュー作『Way To Lhassa』(2013)そして２作目『Endless Mystery』(2017)といった２枚の作品こそ彼等ならではの真骨頂が窺い知れる好作品と言っても過言ではあるまい(余談ながらも、２nd『Endless Mystery』ではピュルサーの管楽器奏者Roland Richardもゲスト参加している）。

　　　 

　いずれにせよ、彼等ピュルサー…そしてその系譜達は時代の波に飲まれる事無く、妥協とは一切無縁な時間軸で今も現役で活動し生き続けている。

　彼等…そして彼等の作品が未来永劫語り継がれていく事をこれからも切に願いながら、ピュルサーというバンドが生き続ける限り、聴き手でもある我々自身も“終着の浜辺”へと辿り着くまで、気長に末永く付き合っていきたいものである。

　　Rose Podwojny：Vo 

　サンドローズのエピソードへ入る前に、この場をお借りしてちょっとした個人的な思い出話にお付き合い頂けたら幸いである…。 

　もうかれこれ20年以上も前に遡るが、当時自分が入り浸っていた地元新潟市内のカフェバーにて、以前から気になっていた一冊の写真集との出会いがあった。

　その写真集のタイトルは「エルスケン巴里時代 1950～1954」(リブロポート刊）。

　写真を志した方なら一度はその名を聞いた事があるだろう。

　Ed van der Elsken (1925～1990）、オランダ出身の稀代の名写真家にして映画監督でもあり来日経験も何度かあり、後年の写真家達に多大なる影響を与えたのは言うまでもあるまい。

　当時24歳の若かりし頃の彼が、1950年から約５年間「芸術の都パリ」を創作活動の拠点にし、そこで生きる人々を被写体にファインダーを通して赤裸々なまでの“生”の姿を収めたモノクロームな時間だけが存在する記録写真集であった。　

　市井の人々始め当時の流行・風俗のみならず、彼…エルスケンを取り巻くボヘミアンな若者達(芸術家の卵を始め、彼の女友達、恋人、ヤク中にアル中といった怠惰な連中)はおろか、珍しくも貴重な一枚で女優の卵時代、若かりし頃のＢＢ(ブリジッド・バルドー)も収められていたのが印象的だった…。 

　残念な事に、今はもうそのカフェバーは無くなったが、店をたたむ前にマスターからそのエルスケンの写真集を格安で譲ってもらったのが昨日の事のように鮮明に覚えている。

　…ちなみにその店の名前も「エルスケン」だった。 

　サンドローズの音を耳にする度に、いつもエルスケンのモノクロームの時間が止まった写真を連想する。

　そもそも、彼等の遺した唯一の作品…ペルシャ絨毯調なジャケット・デザインが目を引く、遥か昔それこそ一枚十ン万円の狂気乱舞でべらぼうなプレミアムが付いたオリジナル見開きＬＰ原盤を開くと、メンバー５人のフォトグラフをぼかしてセピア色に彩られた装丁が実に印象的である。

　私自身若い時分、マーキーの事務所にてたった一度だけ目にしたことがあり、先のエルスケンと同様今でも鮮明に記憶している…。

　87年にムゼアを通じて再発されたＬＰも内側はセピア色ではなかったものの、５人のフォトグラフは白黒のモノクロ・トーンだった。 

　彼等のサウンドに色鮮やかなカラー写真は似つかわしくないだろうし、一度たりとも彼等のフォトグラフでカラーなものは一枚も確認されていない(母国でのレコード宣材用並びライヴ・フォトすらも…)。

　早い話、サンドローズの写真で確認されているものは全部モノクロである。 

　エルスケンのパリでの５年間の創作活動から14年後…1968年、フランスはカルチェ・ラタンでの学生一斉蜂起(当時、日本にも学生運動の嵐が吹き荒れていた…）による「５月革命」を境に、国内でも新たな文化・芸術活動の息吹きが活発化しつつあった。

　これまでのシャンソン、ジャズ、アイドル・ポップス主流だったフランス国内の音楽事情において、ロック・ミュージックが浸透するのに、そんなに時間を要とはしなかった。

　70年以降…マグマ、アンジュの台頭でフレンチ・ロック黎明期の形成・席巻と同時期にサンドローズはその産声を上げた。 

　片や一方でサンドローズの母体とでも言うべきバンド“エデンローズ”も忘れてはなるまい。

　1969年に唯一の作品『On The Way To Eden』を残しバンドは解体。

　ギターのJean-Pierre Alarcen、オルガンのHenri Garella、ドラムスのMichel Jullienの３人に、

ガルラの推薦でベースにChristian Clairefond、そしてAlarcenのパリのクラブ時代の旧知を介し女性ヴォーカルにRose Podwojnyを迎え、72年大手ポリドールより自らのバンド名を冠したデヴュー作をリリースに至った次第である。

　エデンローズはHenri Garella主導のポップがかった軽快なジャズ・ロックにして、当時においては高水準な秀作(フレンチ・ロック黎明期の名作でもある)であったが、サンドローズは紛れも無くJean-Pierre Alarcen主導で、ロック色を更に強めジャズィーな面とフォーク・タッチな面とが違和感無く融合したまさに“稀代の名作”という名に恥じない珠玉の一枚である。

　エデンローズは全曲インストだったが、本作品ではヴォーカル入り５曲、インスト・パートのみが３曲の構成で、ヴォーカルは決してお世辞にも上手い部類とは言えないが、Rose嬢の英語による歌いっぷりには、フランス臭さというかモノクロな風景、一種独特なけだるさ・アンニュイさが漂っていて、時折女の恋情にも似通ったエロティックさをも想起させ、聴く側も一瞬ハッとせざるを得ないのが困りモンであるが…まあ、それは御愛嬌。

 　　　　　　　　　　

　冒頭１曲目の“Vision”始め“Never Good At Sayin'Good-Bye”、“Old Dom Is Dead”、“Summer Is Yonder”などが顕著な例で、Rose嬢の哀愁と情感漂うヴォイスにAlarcenのどこかメランコリックでストイックなギター、Garellaのリリカルで時にクラシカル、時にジャズィーな趣のオルガンとメロトロン・ワークが絡む様は感動の一語に尽きる思いである。

　“To Take Him Away”後半部にかけての白日夢を思わせる朧気ながらも幽玄なメロトロンの響きは絶品である。インスト・パート部ではやはり“Undergraund Session(Chorea)”の曲構成が圧倒的に素晴らしく、名実共にAlarcenとGarella…二つの音楽的才能が見事にコンバインした秀作である。

　残るインスト曲“Metakara”と“Fraulein Kommen Sie Schlaffen Mit Mir”に至っては、前者はジャズ・ロックの名残を残したGarellaのオルガン・ワークが炸裂した佳曲、後者はオルガンとメロトロンのギミックなエフェクトを多用したややアヴァンギャルドな小曲で意外性な面が表れていて面白いと思う。

　かのAlarcenは当時の事を振り返りながら「あの当時の音楽的背景にはキング・クリムゾンとジョン・マクラフリンの存在と影響が大きかった」と語っている。 

　しかし…ここまで順風満帆なバンドの思惑とは裏腹に、理由は不明であるがデヴュー作リリース直後にGarellaがバンドを去り、急遽Georges Rodiを加えるも僅かたった10回程度のギグを経てサンドローズは僅か１年足らずで解散への道を辿り幕を降ろした次第である。

　解散後のメンバーのその後の動向は、Rose嬢は心機一転しRose Laurensと改名し、フレンチ・ポップス界にて近年まで多数のヒット作を世に送り出し多大な成功を収めているが、悲しむべき事に昨年残念ながら鬼籍の人となったのが実に惜しまれる…。

　そして当のAlarcenはフランソワ・ベランジェ、ミッシェル・ザカ、ルノーといったシャンソン系ポップス界の大御所との共演・コラボを経てソロ活動も併行。

　78年『Jean-Pierre Alarcen』、翌79年には本作品と並ぶフレンチ・シンフォニックの名作『Tableau Nﾟ1』をリリースし再び高い評価を得るも、暫く沈黙を守り続けていたが、98年突然不死鳥の如く甦り20世紀末の傑作『Tableau Nﾟ2』を発表するも、彼自身またもや沈黙状態に入り現在までに至っている。

　　　　

　Garellaを始めとする残る他のメンツの動向ですらも残念ながら消息を知る術は無い。 

　数々の賞賛を浴びつつも、度重なる不運続きで惜しまれつつも活動に幕を降ろしたサンドローズ。 

　サウンド的には、多少古めかしくも所謂時代がかった(良い意味で)骨董品級の音ではあるが、フロイドの『神秘』や『原子心母』と同様…趣や方向性こそ異なれど、サウンド自体のコピーは確かに可能かもしれないが、やはりその時代の空気・雰囲気まで再現出来ないのが唯一の強みである。 

　“珍しいだけでしかない骨董品!! 嗚呼…もういいや”

　…と言う辛辣で罵詈雑言な意見の向きもあるにはあるが、だからと言って、ちゃんとまともに聴きもせずにＣＤラックへ無雑作に放り投げたままでは、これでは彼等５人の苦労と努力が報われないというものだ…！

　もし…サンドローズの作品を未だに未聴の方がいるようであれば、どうか頭の中を空白まっさらににして作品と真正面に向かい合ってお聴き頂きたい。

　紛れも無くそこには…不朽の名作・名盤だから云々を抜きに、“古臭い音”といった低次元さや時代性を遥かに超越した“心”がきっと見出せる筈である。

　　Fritz Hauser:Ds,Per 

　サーカスの結成は1972年、スイス地方都市のハイスクールの学友だったFritz Hauser(Ds,Per)、Marco Cerletti(B)、Andreas Grieder(Flute)、Roland Frei(Vo,Ac-Ｇ,Sax)、そしてStephan Ammann(Key)の当初５人編成で結成された。

　クリムゾン、イエスから多大な影響を受けつつも、各人の音楽的なバックボーン・嗜好は実に様々だったとの事。Fritzはジャズ、Marcoはロック、Andreasはクラシック、Rolandはフォーク、Stephanはポップス…etc、etcと音楽的嗜好の違いはあれど、５人の感性と創作意欲が見事に融合して、サーカスにとって唯一無比のサウンドが構築されたといっても何ら不思議ではない。 

　度重なるギグの積み重ねで、理由は定かではないがStephan Ammannが離脱し(80年の３rd『Fearless Tearless And Even Less』にて復帰するが、入れ替わるかの様にAndreasが脱退)、バンドは暫し４人編成での活動を余儀なくされる…。

　1999年末に奇跡の単独初来日公演を果たしたドラマーにしてオリジナルメンバーでもあるFritz Hauserの言葉を借りれば「キーボードが抜けて、元々エレキギター不在だったあの頃が一番困難な時期だった」と回顧している。 

　残された４人は改めてバンドをもう一度根本から立て直すが為に度重なるミーティングとリハーサルに時間を費やし、ペダル・ベースの導入にパーカッションの増強、エフェクター効果による音色の変化・選定・実験といった試行錯誤を繰り返し、1976年自らのバンドネーミングを冠した待望のデヴュー作『Circus』をスイス国内のＺＹＴレーベルよりリリースに至る次第である。

　　

　悪夢の饗宴或いは暗黒の迷宮をも思わせる、ダークな旋律(戦慄)と才気に満ち溢れたミスティックな雰囲気漂う高度な演奏は、同じくスイス出身の鬼才(奇才)Ｈ.Ｒ.ギーガー描く不気味なバイオ・メカニカルなジャケット・アートとの相乗効果も手伝って、まるで一糸乱れる事無く機械的に構築された…アヴァンギャルド、エロス＆タナトス、デカダンスな“時計仕掛けのオレンジ”ならぬ“時計仕掛けの一枚の絵画＝Pictures”を彷彿させるかのようだ。

　　　　

　本作品が製作される以前…遡る事３年前の1974年、スイス国内の５バンドを一挙にまとめたオムニバス編集盤『Heavenly And Heavy』にてアイランドは早くも登場を果たしている。

　当時はギター、ベースを擁した６人編成(キーボードもサックスも別人物)で活動しており、結成当初からのオリジナル・メンバーはBenjaminとGugeの２名のみである。

　たった唯一の本作品…兎にも角にも不気味なヴォイスとゴングの唸りに導かれるオープニング“Introduction”を皮切りにラストの“Here And Now”に至るまでの全曲において、中弛みや退屈さ云々等とは全く無縁でありつつも、さながら瞬きする間すら与えず有無をも言わせず一気に怒涛の如く聴かせる辺りは、ＰＦＭ始めイタリアン・ロックの名作を多数手掛けたクラウディオ・ファビのプロデュース・手腕に依るところが大きいと言えよう(加えてレコーディング・スタジオも名作を多数世に送り出した、リコルディ・スタジオである)。

　終局の宴を思わせる高度な演奏の中にもReneの吹くサックスに、欧州的な悲哀・終末感とも言うべき泣かせ処をちゃんと兼ね備えてあるのは流石とも言えよう…。

　だが、何よりもPeterの作曲並びコンポーズ能力の卓越した非凡さには本作品を何度も何度も繰り返し聴く度毎に舌を巻く思いであると共に、緊迫感と不穏な空気すら醸し出すGugeのドラミングと金属質な時間と空間を演出するパーカッション群の使い方も実に見事である。 

　補足ではあるが、ＣＤ化の際のボーナストラック“Empty Bottles”もスタジオ・ライヴ一発録り(多分？)ながらも、フリーインプロヴィゼーションな趣を感じさせつつ、スタジオ録音とはまた打って変ってひと味違った魅力の秀作に仕上がっており、テクニック至上主義に陥ってないところも好感が持てる。 

　ユーロ・ロック史に残る“奇跡の逸品”を残した後、バンドは人知れず消滅しメンバー全員も消息を絶ち、もはや忘却の彼方へ追いやられたかの様に見えたが、1988年アメリカのアンビシャス・ラヴァーズの２作目『Greed』にてPeter参加の報を機に、アイランドが再びクローズアップされたのは周知の事であろう…。

　　　　

　一見畑違いの音楽性に変貌したのかと思わせつつも、Peterの音楽への探求は更に自己進化(深化)を遂げたと解釈した方が正しいのかもしれない。

　1991年の『Lust』以降、新作のアナウンスメントが聞かれなくなって些か寂しい限りではあるが、もし可能であるならば…アンビシャスとはまた違った音楽形態で、Peterが我々の前に再び姿を現してくれる事を切に願いたい限りである。 

　90年のアンビシャス・ラヴァーズ二度目の来日の際、Peter曰く“アイランドのアルバムは、若い頃に出した未熟な作品。子猫が爪を出して引っ掻いたかのような未完成なものでしかない”と自らの経歴を否定するかのような寂しいコメントを残しているが、それとて彼自身が枠に収まる事を嫌う勤勉で且つ真摯な音楽家である所以。

　　　　

　後年Peter自身知ってか知らずか…先に触れた1975年と1976年に収録されたホームレコーディングとライヴ・アーカイヴによるアイランドの未発表音源が、2005年２枚組ＣＤ『Pyrrho』として陽の目を見る事となり、この一大事ともいえる吉報で改めてアイランドの存在意義と絶対的なる地位が証明され、発表当時彼等を支持する多くの根強いファンは狂喜し喝采を贈ったのはもはや説明には及ぶまい。

　良し悪しを抜きに、たとえPeter自身がどんなにアイランドの若い時分を反論ないし否定しようとも、彼等が遺した唯一の作品は21世紀の現在でもなお神々しくも禍々しい煌きと孤高の眩さを放ち続けているのは紛れも無い事実であろう。

　　須磨邦雄：G, Vo, Mellotron

　美狂乱活動停止から４年後の1987年、高見博史氏が記録保存と足跡を後世に遺す為に録り貯めしていた数本のライヴカセットから厳選し、新たに再構成したライヴ・アルバムが回数に分けられマーキー/ベル・アンティークよりEarly Live シリーズとしてリリースされるという大きなニュースが突如としてアナウンスメントされる。

　87年末リリースの『Early Live vol.1～御伽世界』、翌1988年に『Early Live vol.2～風魔』の両作品は、新たな真紅の子供ともいえる幻想イラストレーターししどあきらの描く神秘的にして不気味、意味深で摩訶不思議な異世界は、かのイエス＋ロジャー・ディーンとの図式同様に、まさしく美狂乱の音楽世界と見事にマッチングしていると言っても過言ではなかった。

　ここではししど氏の功績を改めて振り返るという意味で『御伽世界』『風魔』そして1995年の再結成時ライヴを収録した『Deep Live』に於ける素晴らしいアートワークを掲げておきたいと思う。

　　　

　余談ながらも87年と88年にリリースされたEarly Live両作品についてのこぼれ話だが、未だCD化されておらず今や鰻上りな高額プレミアムすら付いているという『Early Live vol.1～御伽世界』であるが、須磨氏の頑固一徹な意向で残念な事に今後以降『Early Live vol.1』のＣＤ化は一切考えていないとの事。

　そして『Early Live vol.2～風魔』に至ってはリリース予定当時の事を覚えていらっしゃる方々も多い事と思うが、当初は名曲の「警告」を含めて、ライヴでたった数回しかプレイしていないというクリムゾンの「突破口」をインスピレーションに書いた「ゼンマイ仕掛け」、そして吉祥寺シルエレでたった一度きりしか演奏した事がないという幻の大曲「組曲“美狂乱”」（1979年当時、地元静岡大学の演劇部とのコラボレーションで誕生した作品との事）が収録されたその名も『ゼンマイ仕掛けの美狂乱』なるタイトルでリリース予定だったものの、惜しい事に高見氏所有の件のライヴカセットテープにかなりの不具合が見つかり、高見氏自身も勢い余って見切り発車に近い形で告知したものの、改めて聴き直してみるとやはりこれは相当キツいなァ…と反省し、後々にリリース予定していた『Early Live vol.3～風魔』を急遽繰り上げ登板し２枚目のEarly Liveシリーズとして世に出る事となった次第である。

　今回の２作目のソロに於いて須磨氏の研ぎ澄まされた孤高にして崇高な精神は更なる極みの境地に達しているかの様ですらあり、本作品はあたかも迷宮の音世界へと通ずる美狂乱の帰還ともいえる布石或いは予兆なのだろうか…？

　我々聴き手側はその答えを求めつつ、美狂乱が再び目覚める時までただひたすら信じ続けて待つしか術はあるまい…。

　否、もはや我々の知らない時間軸で美狂乱の新たなる胎動と覚醒がもう既に始まっているのかもしれない。

　本文章に多大なる刺激とインスピレーションを与えてくれた、聡明な楽師でもある須磨邦雄氏に心から感謝と御礼を申し上げます。

　　1.鬼

　　北山真：Vo

　70年代最後の1979年、プログレッシヴ・ファンの期待を一心に集め日本ビクター傘下のZenレーベルから鳴り物入りでデヴューを飾った新月。

　当時プログレ専門誌時代のフールズ・メイトにあっては、吉祥寺のライヴハウス“シルバー・エレファント”をメインストリームとする、新月を始め美狂乱、グリーン、アウター・リミッツ、観世音、スペース・サーカス、果てはデヴュー間もない頃のケンソーといった、80年代に向けた新たなるプログレッシヴ・ムーヴメントの波をこぞって取り挙げては熱心に紹介していた頃であった。

　余談ながらも、新たなる波と同調するかの様に厚見玲衣率いるプログレ・ハード系のムーンダンサー、そして関西からは後にノヴェラへと移行するシェラザードが活躍していたのも丁度この時期である。

　

　70年代初頭のジャパニーズ・プログレッシヴ黎明期…所謂日本のニュー・ロック勃発期に於けるエイプリルフール始めフード・ブレイン、ラヴ・リブ・ライフ＋１、ピッグ、それ以降にかけて登場したファーラウト→ファー・イースト・ファミリー・バンド、ストロベリー・パス→フライド・エッグ、コスモス・ファクトリー、四人囃子といった70年代前期～中期にかけてのジャパニーズ・プログレ黎明期バンド。その大半が短命に終わるか、或いは時流の波とレコード会社側の意向で路線変更を余儀なくされるかといった困難な時代、イギリスや欧米の当時の諸事情と同様に日本でも御多分に洩れずプログレッシヴ・ロックはアンダー・グラウンドな領域でしか生き長らえるしか術が無かったのは言うまでもあるまい。

　70年代後期ともなると、プログレの多くは自主製作（運が良くてレコード、最低でもカセット）ないし、大手レコード会社の良くも悪くもマニアックでマイナーな弱小レーベルからでしかリリースされなかった、そんな辛酸と苦汁を舐めさせられた…フールズ・メイトの新月レヴューでも触れられている通り“ロック音楽を媒介にした芸術活動”がいかに大変な時代であったかが想像出来よう。